Artikel geschrieben am: 01.01.70

--- (Datei: Mister Henry)

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Mister Henry, keiner weiß, was einen erwartet . . .
In der Tat. Ich weiß selbst noch nicht, was mich
und uns erwartet. Aber das ist die grundsätzliche
Idee: wir wollen ein musikalisches Zwiegespräch auf der
Basis von Songs, eigenen oder auch von Fremdkompositionen.
Wobei man sagen muss, dass wir drei alle schon miteinander
gearbeitet haben, wir kennen uns also. Trotzdem
gehen wir mit großem Respekt an die Sache heran.
Sie kommen von der Countrymusic, Bill Frisell kommt vom
Jazz, Brad Mehldau ist ein Jazzer, der auch gerne mal anspruchsvolle
Popmusik in sein Repertoire aufnimmt. Gute Voraussetzungen
für aufregende Konzerte.
Wir drei sind alle undogmatische und offene Geister, angetrieben
von unserer Neugier. Genau deshalb habe ich Brad
und Bill auch nach Ludwigsburg eingeladen. Beide sind bekanntlich
großartige Improvisationskünstler, ich dagegen
bin als Musiker eher stärkeren Strukturen verpflichtet.
Wird es denn eher ein Frage-und-Antwort-Spiel werden oder
eher eine Art Stand-up-Comedy?
Nun, es soll ja vor allem um Songs und um das Gespräch mit
Songs gehen, die brauchen schon ihren Raum zur Entfaltung.
Was mir für die Dramaturgie des Abends vorschwebt,
wäre eher vergleichbar einer Zugfahrt, bei der die einzelnen
Songs als Stationen, als Städte fungieren. Ab und zu werde
ich sagen, wo wir uns gerade befinden, aber das Ziel der Reise ist ungewiss.
Aber ich reise ja auch nicht allein, zum Glück. Ukr

Der Jazzpianist Brad Mehldau gründete 1996 das Brad Mehldau Trio, mit dem er die internationalen Konzerthallen bereiste. Er arbeitete u.a. mit Musikern wie Pat Metheny, Charlie Haden und Lee Konitz, Peter Bernstein, Kurt Rosenwinkel, Joshua Redman und Mark Turner. Seine Musik erschien in mehreren Filmen, wie u.a. in Stanley Kubricks Eyes Wide Shut und Wim Wenders Million Dollar Hotel. 2008 wurde er zum Kurator einer vierteiligen Jazz-Konzertreihe an der Londoner Wigmore Hall ernannt. Brad Mehldau erhielt zahlreiche Preise und Auszeichnungen, wurde u.a. dreimal für den Grammy Award nominiert.
Brad Mehldau ist zu sehen in:
16.06. | 20:00 UhrOrdenssaal, Residenzschloss Ludwigsburg
Song Conversation I
Joe Henry & Brad Mehldau
Joe Henry hat im Laufe seiner nunmehr über 20-jährigen Karriere bleibende Spuren in der amerikanischen Popmusik hinterlassen. Zwischen Soul, Jazz, Rock ‘n’ Roll und Country wurden seine Songs zu musikalischen Meilensteinen. Er schrieb Musik für Kino und Fernsehen, produzierte Songs für den Bob-Dylan-Film I’m Not There und für Judd Apatow’s Comedy Knocked Up. Für seine Zusammenarbeit mit Solomon Burkes bei der CD Don’t Give Up On Me erhielt Henry einen Grammy Award. Seine CD Civilians war 2007 auf zahlreichen Bestsellerlisten und zählt sicherlich zu seinen besten Aufnahmen.
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Joe Henry klingt wie ein Allerweltsname und bleibt nur allmählich im Kopf hängen. Vielleicht ist das der Grund, weshalb seine Alben zwar gute Kritiken, aber kaum kommerziellen Erfolg vorweisen? Dabei ist Henry auch als Produzent und Komponist gut im Geschäft. Als hilfreich erweist sich seine Verwandtschaft mit Madonna: Er ist nämlich mit ihrer Schwester verheiratet. 1961 geboren, beginnt Henrys offizielle musikalische Karriere mit dem Album "Talk Of Heaven" (1986). Schon davor heiratet er Melanie Ciccone, deren Schwester zu diesem Zeitpunkt mit "True Blue" ihr drittes Album veröffentlicht hat. Verbindungspunkte bestehen jedoch keine: Während die Schwägerin in den Pop-Himmel entschwebt, ist Henry fest im US-amerikanischen Country und Folk verankert. Eine Orientierung, die sich auch in den folgenden Jahren kaum ändert. Auf seiner fünften Platte "Trampoline" (1996) arbeitet er mit Helmet-Frontmann Page Hamilton zusammen und beginnt somit, auch in andere Richtungen zu experimentieren. Auf "Fuse" (1999) baut er etwa Beats und Trip Hop-Elemente ein. 2000 überarbeitet Madonna seinen Song "Stop" und veröffentlicht ihn als "Don't Tell Me" auf ihrem Album "Music". Im neuen Jahrtausend arbeitet Henry auch verstärkt als Produzent. Mit Solomon Burkes "Don't Give Up" (2002) heimst er einen Grammy für das beste zeitgenössische Blues-Album ein. Es folgen Ani diFranco, Aimee Mann, Elvis Costello und Rufus Wainwrights Vater Loudon. Die Zusammenarbeiten erweitern Henrys musikalischen Horizont. Mit "Scar" (2001) "hat er sich in Sphären begeben, in der nur er und Tom Waits wohnen", schreibt ein begeisterter Kritiker. Das Album spielt er mit gestandenen Jazz-Musikern ein, unter ihnen der Saxophonist Ornette Coleman. Das kantige "Tiny Voices" (2003) erscheint für das feine Label ANTI. Auf "Civilians" (2007) kehrt Henry zu seinen Americana-Wurzeln zurück. Mit von der Partie sind auch der Jazz-Gitarrist Bill Frisell sowie Komponist und Produzent Van Dyke Parks. 
 Alben

2007
Civilians
Tiny Voices (2003), Scar (2001), Fuse (1999), Trampoline (1996), Kindness of the World (1993), Short Man's Room (1992), Shuffletown (1990), Murder of Crows (1989), Talk of Heaven (1986)

Mit Ehefrau Ciccone und zwei Kindern lebt Joe Henry in der San Gabriel Valley, einem Vorort von Los Angeles. Im Keller des ehemaligen Hauses, das der Gattin des 1881 erschossenen US-Präsidenten James A. Garfield gehörte, hat er sich ein Studio eingerichtet, in dem er für andere produziert, ab und zu aber auch ein Album unter eigenem Namen einspielt. Erfolgsdruck verspürt er dabei nicht. Mit seinen Gästen gelingt es ihm immer wieder, eine neue Richtung einzuschlagen, die zwar im Folk und Country angesiedelt ist, seit seiner ersten Platte 1986 aber viele Facetten dazu gewonnen hat. Seinen Stil einzuordnen fällt nicht einfach. Der Opener "Civilians" etwa bietet eine schräge, Gitarre, ein geshuffletes Schlagzeug, eine angespannte, nasale Stimme und Keyboard-Streicher. Er verbreitet eine ruhige, entspannte, aber melancholische Stimmung, die eine gewisse Hoffnungslosigkeit vermittelt. Der Refrain "Life is short, but by the grace of God the night is long" zeigt, dass sich Henry Gedanken über seine Texte macht. Am ehesten erinnert er an Randy Newmans Solointerpretationen am Klavier, so im besten Stück des Albums "Civil War", oder in "I Will Write My Book", was auch an Van Dyke Parks Begleitung liegt. Ein weiterer wichtiger Gast ist Bill Frisell, der im Hintergrund mit seiner Gitarre eine nicht aufdringliche, aber wertvolle Arbeit leistet. Jazzig ist das Ergebnis allerdings nicht, von einzelnen Elementen abgesehen. Eher anspruchsvolle Piano Bar-Musik für Abende, an denen es regnet und kaum ein Gast anwesend ist.
"Civilians" ist ein Album, das schön im Hintergrund vor sich hin klimpert. Vielleicht fehlt ihm ein bisschen Zielstrebigkeit, das Erreichen eines bestimmten Ziels, doch genau darin lag Henrys Absicht. "Es ist wohl mein erstes Album, bei dem es mich überhaupt nicht interessiert hat, was andere davon halten, seien es mein Label, mein Manager, meine Frau oder wer auch immer. Ich habe mich vollkommen frei gefühlt", erklärt er bei der Veröffentlichung.
Ob sich seine Schwägerin die Platte angehört hat? Wahrscheinlich nicht. Während Henry auf obskuren Americana-Pfaden wandert, bastelt sie, Madonna, an einem neuen Avatar, der diesmal wohl eher Hip Hop-Schminke trägt. Nur einmal haben sich die Pfade der beiden musikalisch gekreuzt, auf ihrer 2000er Platte "Music". Seitdem hat Madonna ihren Status als einflussreichste Frau im Musikbusiness weiter zementiert, während Henry wie gewohnt vor sich hin wurstelt. Wenn das Ergebnis so klingt, wie das vorliegende, hat er dennoch alles richtig gemacht. einklappen
For what it's worth, I think a strong case can be made for Joe Henry as artist of the decade, and I'll probably be making the case in more cogent form in the months ahead. His four albums this decade -- Scar, Tiny Voices, Civilians, and Blood from Stars -- ought to be festooned with 4.5, 5, 5, and 5 stars, respectively. And as much as it's difficult to improve on consecutive 5-star albums, I think he might have done so with Blood from Stars. It's a ridiculously great set of tunes. I'll hold off until August 18th, the official release date, to comment in detail, but I, for one, won't quibble with a couple of the early opinions that it just might be the best album of the decade.I'm dreaming, of course, to think that most people, or most music publications, will follow suit. Joe isn't young enough, hip enough, or indie enough to merit that kind of consideration from most places. My guess is that the votes will be split among Radiohead, Sufjan Stevens, Animal Collective, and Sigur Ros fans, and certainly there is great merit in the body of work that each of those performers/bands has produced over the past ten years. It's just that, well, they're not the best. Joe Henry is the best.Oh, and he's probably producer of the decade as well.

“Blood From Stars”
(Anti-)
Joe Henry bookends his new album, “Blood From Stars,” with something called “Light No Lamp When the Sun Comes Down,” as melancholy a pop song as anyone could want. “The dark will speak/Has things to say,” he cautions on one version of the tune, in his plain and mildly stuffy-headed voice. The other version, presented as a prelude, is an austere solo meditation played by the jazz pianist Jason Moran. Mr. Henry has traveled such byways before, notably on his 2001 album, “Scar.” But here he seeks a particular spur and challenge in the blues, borrowing aspects of style as well as form. “Blood From Stars” feels informed by his recent experience producing a pair of other albums, by the pianist Allen Toussaint (“The Bright Mississippi”) and the folk troubadour Ramblin’ Jack Elliott (“A Stranger Here”). It features a familiar cast of characters, including the drummer Jay Bellerose and the guitarist Marc Ribot, and it presents them with moody sobriety, in a kind of humid atmosphere. The characters in these songs — Mr. Henry employs the first-person singular like a method actor — tend to share some species of alienation. “Nobody knows the man that I keep hid,” goes the first lyric on the album, from “The Man I Keep Hid,” a chilling confession. In “Bellwether” he repeats a series of determined refrains, including this one: “I’m going to change my name/Until it rings a bell.” But if Mr. Henry wants to suggest a less phlegmatic Tom Waits, as often seems the case here, he could stand to loosen up further. His lyrics can feel too artful, too self-conscious. His first verse on “Truce,” for instance, begins: “I clawed at your skirt/ Like it was a dirt floor/And I could dig my way free/Of myself, taking more.” Or take “Channel,” the song least invested in the blues idiom. “I love you/With all due desperation and disarray,” Mr. Henry sings, repeating the word disarray as a meaningful echo. Still, he sounds as if he has everything pretty much under control. NATE CHINEN
Joe Henry is one of those musical chameleons you may have heard before and yet never put a face to the music. I’d heard the occasional individual song of his prior to 2007, when I got my first wholesale introduction to his music while watching the film Knocked Up. His soundtrack to that film, with Loudon Wainwright III, was titled Strange Weirdos, and the album’s songs were memorably featured in the film in instrumental form, allowing Henry’s strong skills in arrangement and production to shine in an unobtrusive way.
His eleventh proper album, Blood From Stars, finds Henry setting out in a completely different direction. Known for his evolving sound (often merging elements of jazz, folk and alt-country), Henry has long been highly regarded for his willingness to drive forward and experiment. Blood From Stars is his first album of mostly blues material, written, produced and arranged as an album-length song-suite complete with an introduction and coda which tie the varying musical elements together as a whole. Such a dramatic sound shift shows Henry sounding much more like Tom Waits, if not always in vocal form at least in the varied instrumentations which form the album’s overall style.
This is most notable following the album’s prelude, as we enter the bluesy jazz-hall sound of “The Man I Keep Hid,” with its multi-layered sound-streams. The vocals don’t have the affected growl of Waits, but taken as a whole, the sound’s aural depth is easily reminiscent of the likes of much of Closing Time and other seventies-era albums by the legendary artist. But Henry isn’t aping anyone. He builds on that sound, using it as an enticement to convince us to follow him deeper into the album. From there we get more jazz and blues influences, and even a touch of Creole influence on “Death To The Storm.”
The album, however, doesn’t lend itself well to single-song listening. These pieces were clearly individually crafted to serve as part of the whole. As such, Blood From Stars lends itself nicely to headphone listening. Through repeated listens the layers peel away to show how complicated and varied his compositions truly are, and the production values are as good as I’ve heard in a long while.
And while none of this is mainstream, neither is the label releasing it. ANTI-, a sister label to Epitaph, has always served as a home to musicians willing to experiment and push the boundaries of what great music can be. It is therefore appropriate that Joe Henry’s Blood From Stars is a rewarding listening experience which pays off in spades when given the chance to simmer in your mind over the long term. This is the perfect summer album for lovers of meaningful music who want more than just a pop melody and easy-to-swallow hooks, the kind of album which often slips under the radar only to pop up on end-of-year “Best Of” lists.

Joe Henry's new record Blood From Stars begins with a poignant and haunting piano prelude before launching into "The Man I Keep Hid," a raw, bluesy track undercut with a ghostly voice of a man rambling on before Henry comes in with the first line "nobody knows the man that I keep hid." An apt beginning for Henry's eleventh full-length record, for Blood From Stars reveals a side of Henry rarely glimpsed in his recent work, which has been notable in its suave urbanity, poetic lyricism and literary sensibility. Rather, the new work is a passionate and direct breakthrough from one of today's most acclaimed singer songwriters.
"It's more emotionally available, certainly less mannered," says Henry, speaking of the difference between Blood From Stars and his 2007 release Civilians. "It's much more electric, in the literal and also the emotional sense of the word. It is raw, with many loose threads hanging."
Backed by a handpicked collection of players, including Marc Ribot (Tom Waits, Elvis Costello) who worked with Henry on his 2001 release Scar and acclaimed jazz pianist Jason Moran, Henry crafted Blood From Stars with a clear idea of structure, but also with a refreshingly open and fluid approach to the outcome of the songs, creating a loose, swinging, vital sound.
"Partly, I just loved what happened when this particular group of musicians heard a song and had to respond to it in a very immediate way," Henry explained. "I can always go back to what I thought [the song should sound like], but if you limit them to your own imagination, then you're just cutting yourself off from the richest resource you have."
Henry has spent the better part of the last decade in a recording studio, lending his considerable talents and tastes to producing records from the likes of Solomon Burke (who's Henry-produced Don't Give Up on Me won a Grammy for the Best Contemporary Blues album of 2002), Bettye LaVette, and many others.
"When I find the production work to be satisfying, it really does fuel more work. I tell my wife, 'the more I work, the more I work.' It keeps the engine idling all the time. I used to see producing and my work as an artist to be separate enterprises but the more I've continued, I start to see less and less distinction between what I do for myself and what I do for other people. In both cases my job is to make something meaningful come out of a pair of speakers."
Two recent releases Henry produced, Allen Toussaint's the Bright Mississippi and Ramblin' Jack Elliott's A Stranger Here, find the venerable artists exploring classic blues songs. With his work as a producer and a songwriter overlapping and informing one another, it is only natural that the blues found their way onto Henry's Blood From Stars.
"I was playing with a writing form…a blues structure, in the same way that you might sit down and try to write a sonnet or a haiku. I was intrigued by how structured and how simple those ideas of, say, a pair of repeating lines answered by a refrain can be," Henry says and continues, "I've been reading a lot of poets lately, and lot of diverse poetry very consciously references a blues tonality, whether its Langston Hughes or Allen Ginsberg or e.e. cummings. Poets are very aware of the power of that structure."
Ultimately, Blood From Stars is a departure from the expected sound of a Joe Henry record, and its author seems perfectly at ease with his new persona. "If it's standing up, declaring itself as living thing, I'm completely enthralled by it. My ego has no problem with not controlling the process," he paused, then continued with a laugh, "as long as it makes me look good in the end."


Cold Enough To Cross Lyrics


Just think what a day's rain can do—A bridge once between us is lost,I set it to swayAnd now here I stayTill it's cold enough to crossI stand on the bank watching on—You wade in the flood and I'm lost,You're calling my nameBut I wait just the sameTill it's cold enough to crossJust think what I know time will tell—What keeps me from you so lost,It's not the water you wadeBut that I wait afraidTill it's cold enough to cross

Mean Flower
How beautiful you've made yourselfHow cruel you've become,How so much like anotherThat it's no surpriseThat I don't recognize you now soBeautiful and cruelYou're the meanest flowerÂ…You raise me off the groundTo see how far there is to fall,As if I don't rememberHow we passed the time,As if I don't remember howYour face fell into mineOh, you're the meanest flowerÂ…Notice how I vanishAnd your world remains,You show your head above itFor spite, nothing more,Like you thought just livingWas somehow its own rewardYou're the meanest flower
Rough and Tumble
Here's that rainy dayThat you said was bound to come,Funny—now you took my hatI can still feel it like it's on;O baby I wonder howYou ever learned to play so rough,You left me with everythingKnowing it would never be enoughNow I remember—you told me so,You're so rough and tumble, and now I knowI had a dream of youAnd I'll tell you what I canYour face was a brilliant mask--it came off in my hand;O baby I wonder howYou ever learned to play so roughYou left me with everythingKnowing it would never be enoughNow I remember—I take my coffee nowAt the window by the stove,The afternoon is darkAs the shadows grow;O baby I wonder howYou ever got so tough,To leave me with everythingKnowing it would never be enoughNow I remember—

Scar
What does this look like to you?A mark so fine, you barely see.You have one just like it, too—A twisting vine,A mark so fine;Cause I love you with all I amAnd you love me because you areAs fearless as a twisting vine,A mark so fineBut still a scarFear plays dumb then eats the soulLike a vagabond with a fishing poleHe whistles but he cannot sing,It's an awful tuneBut very soonI find that I am whistling, tooAnd your window is like a starThat I sit beneath like a vagabondWho wears his fearJust like a scarThe blade of our outrageous fortuneLike a parade, it cuts a path,Light shows on our foolish wayAnd darkness onour aftermath;If I love you to save myselfAnd you love me because we areSo fool to think that our paradeCould leave a pathBut not a scarAnd I love you with all I amAnd you love me with what you are—As pretty as a twisting vine,A mark so fineBut still a scar


Stop

Don't tell me to stopTell the rain not to drop,Tell the wind not to blowCause you said so;Tell me love isn't trueIt's just something we do,Tell me everything I'm notBut don't tell me to stopTell the sun not to shineNot to get up this time,Let it fall by the way,Leave me where I lay;Tell the leaves not to turnBut don't tell me I'll learn,Take the black off a crowBut don't tell me to goTell the bed not to layLike the mouth of a grave,Not to stare up at meLike a calf on its knees;Tell me love isn't trueIt's just something we do,Tell me everything I'm notBut don't tell me to stop






Struck
I've been having wicked thoughtsTerribly wicked, selfish and cruel,Imagining I stood high on a ledgeAnd fell just out of the reach of you;Just then, we are together aloneAs I fall, you look up—Looking for all the world like for onceIt was you, not me, who had been struck.Should I love you more than I do?Or pray to love you less?Or learn to live with the little you giveBelieving it all for the best?Will I ever see your heartOpen wide and your eyes shut—Looking for all the world like for onceIt was you, not me, who had been struck.The trees are angry, toss in the windDevour small planes going by,Dropping wreckage, bags and glovesDown around us where we lie;I hear your uneasy breathAs you stir but don't wake up,Looking for all the world like for onceIt was you, not me, who had been struck

BRAD MEHLDAU
Brad Mehldau (* 23. August 1970 in Jacksonville, Florida) ist ein US-amerikanischer Jazzpianist.


Bereits im Alter von sechs Jahren begann er, Klavierstunden zu nehmen. Er studierte Klavier und Komposition am Berklee College of Music und an der New School for Jazz & Contemporary Music. Unter seinen Lehrern waren Kenny Werner, Junior Mance und Fred Hersch, der den wohl größten Einfluss auf Brad Mehldau ausübte. 1994 war Brad Mehldau Mitglied des Ensembles der Europa-Tournee des Joshua Redman Quartet: Mehldau, Joshua Redman, Christian McBride und Brian Blade. Da diese Tournee ihn erstmals einem internationalen Publikum vorstellte, kann man durchaus sagen, dass seine Karriere hiermit begann. Im Folgejahr, 1995, gründete er das Brad Mehldau Trio zusammen mit Larry Grenadier (b) und Jorge Rossy (dr), deren erstes Album "Introducing Brad Mehldau" noch im gleichen Jahr viel Lob erntete. Die hauptsächlichen Einflüsse in Mehldaus Musik kommen von Franz Schubert genauso wie von Oscar Peterson und Keith Jarrett - aber auch von Miles Davis, John Coltrane. Seine Art des Klavierspiels wird häufig mit der von Bill Evans verglichen, selbst wenn es - auch nach eigenen Aussagen Mehldaus; vgl. Linernotes zu "The Art of the Trio IV" - bedeutende Unterschiede in der musikalischen Konzeption gibt. Mehldau integriert in sein Repertoire neben Eigenkompositionen und Jazz-Standards auch auf den ersten Blick jazzferne Musik, so z.B. von der Alternative-Band Radiohead oder vom Folksänger Nick Drake sowie von den Beatles. Mehldau, dessen Germanophilie und Interesse an der deutschen Kultur in den Namen zahlreicher Eigenkompositionen durchscheint ("Sehnsucht", "Zauberberg" etc.) kann als einer der wichtigen Jazzpianisten der letzten Jahrzehnte gelten. Neben der elegischen Grundhaltung seines Musizierens ist insbesondere seine Fähigkeit zur zweihändigen kontrapunktischen Improvisation mit unabhängig geführten Stimmen für ihn charakteristisch. Brad Mehldau ist Vater von drei Kindern und lebt zu gleichen Teilen in New York und in der Nähe von Amsterdam.
Alben als Leader oder als Solist [Bearbeiten]
Introducing Brad Mehldau (1995)
The Art of the Trio (1996)
The Art of the Trio II - Live At The Village Vanguard (1997)
The Art of the Trio III - Songs (1998)
Elegiac Cycle (1999)
The Art of the Trio IV - Back At The Vanguard (1999)
Places (2000)
The Art of the Trio V - Progression (2000)
Largo (2001)
Anything Goes (2002)
Live in Tokyo (2004)
Live in Tokyo (2005, Doppel-CD, Nonesuch-Japan)
Day is Done, Trio (erste CD mit dem neuen Drummer Jeff Ballard, 2005, Nonesuch)
House on Hill, Trio (L.Grenadier, J.Rossy, 2006, Nonesuch)
Love Sublime, Songs (Liederzyklus von Mehldau komponiert; Piano: B.Mehldau, Gesang: R.Fleming, 2006, Nonesuch)
Brad Mehldau Trio - Live (2008): Live-Aufnahme aus dem Village Vanguard (Aufnahme: 10/2006)
"Highway Rider", (2010) (Eigenkompositionen mit Trio, Saxophon und Kammerorchester)
Alben als Co-Leader [Bearbeiten]
New York-Barcelona Crossing Volume 1 (1993) Mehldau, Rossy, Rossy, Sambeat
New York-Barcelona Crossing Volume 2 (1993) Mehldau, Rossy, Rossy, Sambeat
When I Fall In Love (1993) Mehldau & Rossy Trio
Consenting Adults (1994) Mehldau, Turner, Bernstein, Grenadier, Parker
Alone Together (1997) Mehldau, Haden, Konitz
Close Enough For Love (1999) Fleurine
Friendship (2003) Mehldau, Sambeat, Rosenwinkel
Don't Explain (2004) Mehldau, Joel Frahm
Metheny, Mehldau (2006) Mehldau, Metheny, Grenadier, Ballard
Quartet (2007) Mehldau, Metheny, Grenadier, Ballard
Soundtracks [Bearbeiten]
1997: Mitternacht im Garten von Gut und Böse (Originaltitel Midnight In The Garden of Good and Evil)
1999: Eyes Wide Shut
2000: Space Cowboys
2000: The Million Dollar Hotel
2001: Meine Frau, die Schauspielerin (Originaltitel Ma Femme Est une Actrice)
2004: Happy End mit Hindernissen (Ils se marièrent et eurent beaucoup d'enfants)



Brad Mehldau Trio, 27.2.06 Theaterhaus
Der Mann ist da, wo viele Jazzmusiker hinwollen. Ganz weit oben. Brad Mehldau, der introvertierte Jazzpianist, hat auf dem Weg dahin gern Gattungsschranken übersprungen: von Led Zeppelin zu Debussy, von Jazzstandards zu Soundgarden, von Burt Bacharach zu Bill Evans. Dabei geht Mehldau in der Improvisation völlig auf; er spielt, als hinge davon sein Leben ab, und er ist zugleich ein Formalist mit dem ausgeprägten Gefühl großer Erzähler für Spannungsbögen. Dichotomie macht Mehldaus Wesen aus: leidenschaftlich ist er und glasklar strukturierend, streng und wild, ein „implodierender Romantiker“, wie Konrad Heidkamp in der „Zeit“ schreibt.
Damit zieht der tätowierte Mann aus Florida, der seine Ansagen auf Deutsch macht, auch im Theaterhaus das Publikum in seinen Bann. Mit diesen schlanken Händen, die sich aufeinander beziehen wie Text und Kommentar, die miteinander spielen wie zwei Katzen.
Mehldaus Vorbild ist das John-Coltrane-Quartett der 60-er Jahre, von dem er „Count Down“ spielt, ein Stück, das zugleich „Fuck You“ und „I Love You“ zu sagen scheint. Mehldau braucht Pole, um seinen Akku aufzuladen, mit dem er sich auf Klangreisen begibt. Und die muten an wie Tauchgänge in die Welt des Unterbewussten.
Doch während Keith Jarretts Ziel Ekstase ist und Esbjörn Svenssons Mittel Hypnose, bleibt der vom Geist deutscher Philosophie faszinierte Mehldau eher zurückhaltend. „Day Is Done“ von Nick Drake ist die Titelnummer der aktuellen Platte, die er im Konzert vorstellt (und später geduldig signieren wird). Liegt es an der Batterie Surprise des neuen Drummers Jeff Ballard, diesem rhythmischen Unruhestifter, dass der 35-jährige Tastenkünstler derart frisch und inspiriert aufspielt, mit sperrigen Akkorden, kühlen Schnitten und perlenden Linien kontert, liegt es an der gewohnt geschmeidig-elastischen Kontrabassbegleitung von Larry Grenadier? Oder am Reiz des ausgewählten Materials?
Mit welch unangestrengter Leichtigkeit Mehldau, der bestimmt auch ein sehr guter Bach-Pianist wäre, rhythmisch und harmonisch schwierigste Passagen meistert, einen Standard wie „All The Things You Are“ kunstvoll auseinander nimmt und locker wieder zusammenfügt, ohne dass das Trio einen Moment die Kontrolle verlieren würde, macht anwesende Jazzer zu hemmungslosen Bewunderern. Doch als er die Ballade „The Very Thought Of You“ so innig, weich und warm spielt, geht einem - ob man will oder nicht - einfach das Herz auf. Das begeisterte Publikum weiß am Ende genau, es hat zwei musikalische Sternstunden erlebt. Thomas Staiber


Highway Rider

1.01
John Boy
3:11

1.02
Don't Be Sad
8:35

1.03
At the Tollbooth
1:06

1.04
Highway Rider
7:42

1.05
The Falcon Will Fly Again
8:17

1.06
Now You Must Climb Alone
4:06

1.07
Walking the Peak
8:00

2.01
We'll Cross the River Together
12:23

2.02
Capriccio
5:16

2.03
Sky Turning Grey (For Elliott Smith)
6:20

2.04
Into the City
7:34

2.05
Old West
8:24

2.06
Come with Me
6:15

2.07
Always Departing
6:21

2.08
Always Returning
9:52

3.01
Bonus Download: Highway Rider (commentary & demo)
9:34


About this Album
Nonesuch Records released Highway Rider—a double-disc of original work by pianist and composer Brad Mehldau—on March 16, 2010. The album is his second collaboration with renowned producer Jon Brion and features performances by Mehldau’s trio—drummer Jeff Ballard and bassist Larry Grenadier—as well as drummer Matt Chamberlain, saxophonist Joshua Redman, and a chamber orchestra led by Dan Coleman. Mehldau also orchestrated and arranged the album’s 15 pieces for the ensemble.
In a Nonesuch Store Exclusive, orders of the album through nonesuch.com include—in addition to the complete album as audiophile-quality 320 kbps MP3s—a bonus download demo track Mehldau recorded for Brion early on in the album's development, in which Mehldau explains how he'd like for the title track to unfold and offers a run-through on piano.
Although Brad Mehldau is best known as a jazz composer and improviser, he has written several long-form compositions and songs, including an orchestral piece called The Brady Bunch Variations for the Orchestre National d’Île-de-France and two Carnegie Hall commissions: Love Songs for mezzo-soprano Anne Sofie von Otter and Love Sublime for soprano Renée Fleming.
“It’s so exciting to write something and have it in your head and then hear it for the first time being played by these magnificent musicians,” he says. “It’s really an emotional experience. I’m still reeling from it.” “For me, the biggest challenge was the orchestration—which notes to assign to what instruments. I’ve been studying lots of orchestral scores for a while now—Strauss, Brahms, Tchaikovsky; a lot of big romantic stuff in particular. But while I was writing, I was also listening closely to modern orchestrators and arrangers, and there are two who have made an impact on me especially—François Rauber in his work with Jacques Brel, and Bob Alcivar in his work with Tom Waits.” Jon Brion also produced Mehldau’s 2002 album Largo, and Mehldau had been hoping to work with him again since then. “I knew from working with Jon on Largo that he was the guy who would find a way to put all the pieces together for this project. It was really quite a beast sonically at some points—two drummers playing at the same time, bass, sax, and piano, and then the orchestra on top of that. I wanted to record everything live whenever possible but wasn’t sure if we could do it. The first conversation with Jon about the music, that was for him a done deal—it had to be live, with the orchestra and the jazz group playing together. Jon had the foresight during the recording, and then a great deal of craft during the mixing, to bring it all together and sound like it does. And we were able to avoid what the conductor Dan Coleman jokingly referred to as ‘disco strings’—that is, adding the orchestra onto the jazz group’s performance after the fact.” Largo was a step in a new direction for the pianist, incorporating horns, strings, vibes, and electronic instruments—as well as Brion’s unique production touches. As Brion points out, though, “This time around—having done these classical things of late, and these different commissioned pieces he’s had to write—was a completely different thing. It’s like, ‘OK, I know what I learned from doing that last one. This time I have a specific angle.’”

Erneuerer des klassischen Jazz-Klaviertrios, emotionstiefer Eklektiker, eigenwilliger Traditionalist und großer Romantiker. Solche Titulierungen muss Brad Mehldau ebenso über sich ergehen lassen wie den wegen biografischer Parallelen stets gezogenen Vergleich mit Bill Evans: hochsensibel, inspiriert, melancholisch, romantisch, von einer inneren Kraft getrieben.   Und anfällig für Drogen. Als er 1996 wegen seines Heroinkonsums aus der Band von Joshua Redman fliegt, ist für ihn klar, dass er diesen Weg nicht weiter beschreiten kann. "Das Heroin hat mit Sicherheit nichts erleuchtet, was nicht schon vorher da gewesen wäre. Es begann mich durcheinander zu bringen, ich habe weniger geübt und konnte mich nicht mehr richtig auf die Musik konzentrieren, daher habe ich wieder aufgehört". Die Kraft zum Aufhören bezog er aus seinem ständigen inneren Dialog um spirituelle und philosophische Fragestellungen und seiner daraus resultierenden seelischen Tiefe. Geboren wird Brad Mehldau am 23. August 1970 in Jacksonville, Florida. Er verbringt seine Kindheit und Jugend in New York, New Hampshire und Georgia, bevor seine Familie sich in Connecticut niederlässt. Mit fünf erhält er seinen ersten Klavierunterricht, der ihm die klassische Perspektive nahe bringt. Nach dem Abschluss der High School besucht er die Berklee School of Music, und wird dort als "Best All Around Musician" ausgezeichnet. Anschließend vertieft er seine musikalische Ausbildung im Fach "Jazz und zeitgenössische Musik" an der New School For Social Research in Manhattan. Dort wird er während eines Percussion-Kurses vom Dozenten Jimmy Cobb für dessen Quartet "Cobb's Mob" engagiert und damit in die Szene der Stadt eingeführt. Kurze Zeit später spielt er in der Band des Tenorsaxophonisten Joshua Redman und macht sich als Sideman bei zahlreichen Aufnahmen einen Namen.
1995 veröffentlicht er sein Debut-Album "Introducing Brad Mehldau". Es folgen ekstatische Kritiken, intensive Tourneen und Auftritte mit John Scofield, Wayne Shorter, Joshua Redman und Mark Turner. Während dieser Zeit komplettiert er mit dem Bassisten Larry Grenadier seine Triobesetzung (in dem Schlagzeuger Jorge Rossy hat er schon 1993 einen idealen rhythmischen Partner gefunden), und entwickelt sein Konzept "The Art Of The Trio". Standards, Eigenkompositionen und einfühlsame Interpretationen von Popklassikern prägen zusammen mit der unüberhörbaren Romantik den Sound dieser Formation.
1999 erscheint mit "Elegiac Cycles" das erste Solo-Album. 2002 veröffentlicht Brad Mehldau in Zusammenarbeit mit dem Singer/Songwriter Jon Brion (The Grays, Fiona Apple, David Byrne, Jellyfish) "Largo", auf dem er zahlreiche Gastmusiker dazu einlädt, das Popularmusik-Universum etwas genauer auszuloten. Mit "Anything Goes" (2004), "Day Is Done" (2005), "House On Hill" (2006) und "Live" (2008) widmet er sich abermals dem Trio-Jazz.
Doch seine künstlerische Ausdruckskraft treibt ihn immer wieder zu neuen Ufern. Ebenfalls 2006 spielt er gemeinsam mit Pat Metheny das Duo-Album "Metheny Meldau" ein und vertont für die Grammy-ausgezeichnete Sopranistin Renée Fleming Gedichte von Rainer Maria Rilke und Louise Bogan. Der Song-Zyklus erscheint als Duo-Album ("Love Sublime") und bewegt sich trittsicher auf dem schmalen Grad zwischen Jazz und Klassik. Seinem immensen Verlangen nach kreativen Output lässt er im Jahr 2006 gemeinsam mit Pat Metheny freien Lauf. Das Album "Metheny/Mehldau" wird von der Kritik jedoch zweischneidig diskutiert. Der Jazzthing-Autor Ralf Dombrowski bemängelt: "Beide Musiker sind im Kern Romantiker und natürlich gelingt es ihnen, sich mit der passenden Eloquenz dem künstlerischen Smalltalk zu widmen. Doch da liegt auch der Haken an der Sache. Trotz der ästhetisch ansprechenden Klangoberfläche will die Kommunikation auf der Ebne einer sich gegenseitig inspirierenden Kreativität nicht recht funktionieren. Metheny bleibt bei seinen Single-Notes, Mehldau spielt seine Melancholismen, wirklich zusammen im komplementären Sinne aber musizieren sie nicht." "Tun wir wohl", würden Metheny und Mehldau diese Unkenrufe wohl kommentieren. Denn Dombrowski vertritt nur eine von vielen Meinungen. "Ihre Dialoge sind so tief, dass die Platte bei jedem Neustart neue Qualitäten gewinnt", schreibt beispielsweise Rondo, und Stereo ergänzt: "Sie zelebrieren den musikalischen Dialog auf höchstem Niveau". Das sehen die zwei beteiligten Künstler wohl ähnlich, denn schon ein halbes Jahr nach Erscheinen von "Metheny/Mehldau", stellen sie den Nachfolger "Quartet" in die Regale. Die Aufnahmen dazu stammen aus derselben intensiven Woche im Dezember 2005, in der auch "Metheny/Mehldau" entstand, und von der Metheny behauptet, sie seien einige der kreativ befriedigendsten Tage, die er als Musiker je erlebt habe. Brad Mehldau ergänzt: "Wenn man an einem Gemeinschaftsprojekt arbeitet, hofft man immer, dass keiner sich zu radikal anpassen muss um es der anderen Person angenehm zu machen. Mit Pat war es das Gegenteil. Die Chance, mit ihm Musik zu machen, ist nicht weniger als ein wahr gewordener Traum für mich. Pat ist einer der Musiker, die mich dazu gebracht haben, schon als junger Mensch Jazz spielen zu wollen".

~ Thomas Staiber

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